上海安格尔素描

安格尔素描解析?他的素描好在哪儿?请具体说明 ?

1、安格尔素描解析

安格尔的作品展现了新古典的和谐与秩序之美，展现了新古典贵族气质，安格尔本身有着深厚的人文教养，同时也拉小提琴，是著名的音乐爱好者，这些人文修养使他的作品追求一种高尚的情操，追求崇高的精神性，甚至产生一种近似洁癖的固执，使他作品总是洁净没有一点儿瑕疵。

2、安格尔素描的优点

安格尔的素描造型严谨，线条精细，气质优雅。在他的素描作品中，线路和素描关系都是整体把握的，通过融合两者的关系从而更好的表现出作品的古典美，并提炼出一种简练而单纯的风格。

扩展资料

让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780年8月29日-1867年1月14日），出生于法国蒙托邦（Montauban），新古典主义画家、美学理论家和教育家。

自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，达维特正担任拿破仑的首席画师。1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。

经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

参考资料来源：

百度百科-安格尔素描解析

百度百科-让·奥古斯特·多米尼克·安格尔

安格尔画素描打格子吗

打。安格尔的素描造型严谨，线条精细，气质优雅。他画素描打格子。安格尔说:“素描是真正的艺术”。他十分重视素描，在作品中着眼于线路和素描关系的悉心研究，他的油画突出表现在有严谨的素描关系和形体结构。

请帮忙分析下，安格尔作品[泉]，如历史背景什么的。谢谢详细全面点。

法国古典主义画家J.A.D.安格尔的素描画。安格尔从1820年开始构思，于1856年完成。作者希望将古代维纳斯形象更单纯化。于1848年完成《阿纳底奥曼的维纳斯》，意为海水泡沫中诞生的女神。画中维纳斯由小爱神簇拥从泡沫中升起。画家又几经酝酿，将小爱神删去，维纳斯由双手理发改为手捧水罐，负于肩头，朝下的罐口中，清水如泉水般流淌。画中少女伫立全裸、赤足，丰满细润的肉体，悠闲端庄的面容，在罐中清泉的映衬下更觉其纯净甜美，典雅而恬静，绝无淫艳做作，显透出青春的气息和生命的活力。作品体现了理想自然美的抽象古典主义和精细具体的写实造型手段的巧妙结合。画中少女集女性美集于一身，实现了画家深藏于心底半个世纪追求的审美理想。《泉》原作珍藏于法国卢浮宫，复制品为爱好美术的人们大量流传与击节称赏。《泉》 - 创作 他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化。” 《泉》大概在意大利佛罗伦萨时就开始酝酿了，那是在1820年的事，为什么事隔36年后才最终完成此稿呢？这还得从他的学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗两人说起。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。有人认为这幅画最初是由上述两个学生协助完成的。 安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年工夫。
古典主义画家从不表现人物的个性，这幅画充分体现了古典主义的精神和技巧。因此，画中人物面部毫无表情，这更加强了少女“无邪”的神态。也有人认为水罐的形状含有性意识。身体的动势表现出开放与禁锢的双重意义。安格尔的裸体画很少揭示人物内在精神，只注重形式和技巧，他善于把古典美和现实美融合在一起，这使他塑造的人体洋溢着自然的生气。画家自己曾说过：“要把美藏在真实之中，古希腊罗马的艺术大师决不是创造什么，不是制作什么，应该说，他们是看见了什么，并且探悉什么。”
画家对人说：“这幅画完成后同时出现五个买主，有的人简直要向我扑过来，他们争执不休，我几乎要让他们抓阄。”1857年，《泉》这幅画被迪穆泰尔伯爵买去，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给*，终于成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。
安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，还认为：“一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。” 这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。这里所不同的只是，象马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。 [1]
《泉》 - 价值 1856年象征“清高绝俗和庄严肃穆的美” 的最杰出的作品《泉》的诞生，标志着安格尔艺术达到光辉的顶峰。《泉》也是西方美术史上描写女性人体的优秀作品之一。
他在处理轮廓边线时，始终本着虚--实--虚--实进行，这一 方面是为了空间感和立体感的需要，同时，更体现了一 种节奏感，从*的右肘向至最下面的右脚为止：强---弱---强-- -弱，清晰——模糊——清晰——模糊，这样就产生了美感。
这幅画的姿势，从*点肘关节开始，向下穿过头部，上身到右边的臀部，再向下走，直到左边的脚，是一 根长长的s形曲线！从右手的手臂向左沿伸，通过优美的左手指托住了瓶，然后 这一 条线非常流畅地从瓶口的水直泻而下。此画重心在左脚上，因此身体的两边曲线是不一样的。左边较平缓，右边曲的厉害些，尤其是右边的腰和骨盆处。这些都体现了变化和统一的规律。
他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。安格尔笔下的这个少女纯洁,典雅,恬静,健康,美丽,充满生命的活力和青春的朝气。画面左下角那朵含苞未放的雏菊下是她的象征。头顶上的绿叶，脚下明净如鉴的潭泉，幽静的山都增加了这幅画的意境。从这幅画里,人们感到的是一个宁谧,幽静的抒情诗般的境界,心灵得到慰藉,感情得到升华的崇高境界。《泉》使人联想到山泉，联想到生命的源泉，联想到少女的纯洁……《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生 气也更理想化了 。
关于《泉》是有个故事的，后来有人让模特摆一模一样的姿势，拿个一样的水罐，发现右臂是够不着的。说明画家在画这幅画的时候，有意将右臂加长了。这并不影响她的美丽！
《泉》 - 作者 安格尔 Ingres （1780-1867），法国画家，父亲是装饰雕刻家、皇家美术院院士。六岁学习绘画音乐雕刻，一生都是拉斐尔的粉丝。17岁因绘画成绩优异被拿破仑免除兵役。到罗马深造，成为意大利古典艺术的崇拜者40岁的安格尔移居佛罗伦萨，四年后由于为故乡画了一幅《路易十三的誓言》而回到巴黎，意外地受到欢迎并被选入皇家美术院院士，可悲的是他的古典主义风格作品仍遭冷遇，无奈再度回到罗马，他说：“巴黎对我有敌意，我决心离开这里，寻求安宁，我争取到了做罗马院长的任命，去代替维尔涅。”61岁的安格尔在罗马的艺术活动取得成功，这次载誉回到巴黎，法国*为了弥补过去对他的冷落，这次组织了有426人参加的盛大宴会，还受到法王的欢迎款待。68岁那年他获得第二共和国美术委员称号，且成为沙龙评审委员之一，掌握了美术评选大权，在美术界享有至高无上的权威地位。70岁时荣任皇家美术院长，还获得元老院参议员的称号，故乡赠给他黄金花冠，安格尔的晚年是在光荣和辉煌中度过的。

安格尔绘画的特点是什么？

安格尔(1780年—1867年)出身在一个很有艺术教养的家庭里，父亲是一个装饰雕刻家、肖像画家和音乐家，也是他的启蒙老师。15岁时当他看到一张从意大利带回来的拉斐尔《椅中圣母》的临摹品时，他回忆说：“我激动得热泪盈眶，这个印象决定了我今后的命运。”从此他对拉斐尔崇拜之至，曾说：“如果早生三百年，我会成为拉斐尔的弟子。”1797年，他到巴黎进入大卫特的画室，两年后考入重新恢复的皇家美术。他因学习成绩优异，多次获奖。1806年他以奖学金去罗马深造。并在那里创作了大量的作品，包括他的名作《浴女》。1820年他从罗马迁居佛罗伦萨，在那里画了许多肖像画。还为家乡创作了大型祭坛画《路易十三的宣誓》。1824年回巴黎，受到官方的热烈欢迎。翌年当选为皇家美术的院士，并自设画室，从他学画的有百余人。1829年，安格尔任皇家美术的副院长、院长。1835年再次去罗马，1841年才回到巴黎。从40年代末到50年代，他画了许多优秀的肖像画，包括他的名作《泉》。逝世之前画家还在孜孜不倦地研究拉斐尔和古典艺术的精品。

安格尔一生的艺术活动极为活跃，他作为派古典主义大师留下了丰富的作品，其中有神话、宗教故事、历史画、肖像画、女人体和大量的素描，其中以肖像画、女人体和素描成就最为突出。

《泉》安格尔法国安格尔一生画了大量的女人体绘画，著名的有《瓦品松的浴女》、《土耳其浴室》、《大宫女》、《泉》等。其中最著名的作品是《泉》。他通过一个抱罐子倒水的裸体少女的形象，表现了他终生追求的古典美。安格尔在描写女性人体画上技巧娴熟、达到了很高的艺术水平，但是与文艺复兴时期一些表现了进步思想倾向的女性人体艺术相比，就显得思想贫乏，而只局限在女性人体美的追求上。从当时的环境来看，只是迎合了上层社会和资产阶级的艺术趣味和从一个角度体现了他们对享乐的追求。

安格尔一贯迷恋于女人体的描绘，但是他的全部艺术遗产中最有价值的则是大批的肖像作品。他的肖像画描绘的对象多是资产阶级的上层人物，其中妇女又占多数。代表作有《德沃赛夫人像》、《莫第西埃夫人》、《雷维尔小姐》、《贝尔坦像》、《帕格尼尼像》等，其共同的特点是造型准确，画法精细，构图严谨。

此外安格尔在艺术理论上也有高深的造诣，他的艺术论可以有助于人们对他作更为全面的了解。

安格尔的绘画艺术有什么风格特点

安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美， 把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简练而又单纯的风格，始终 以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了 15世 纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，，因而差 不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体 现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴 女》、《土耳其浴室》、《荷马的礼赞》、《后宫佳丽》、《加拉的玻林娜•埃莲 诺尔》、《莫第西埃夫人》等。1805年，安格尔完成了《里维耶夫人肖像》一画，这幅肖像在色彩方面无疑也 是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形 体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出出来，组 成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳人黑 色的背景。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像别有一种优美滋味。

格尔绘画作品赏析（一）

(2011-10-30 10:48:28)

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法国新古典主义

美学标准

构图严谨

色彩单纯

形象典雅

分类： 世界美术.名画.雕塑.赏析  

                 

（一）让·奥古斯特·多米尼克·安格尔(1780-1867年)出生于蒙托邦，父亲是装饰雕刻家、6岁时进教会学校学习绘画音乐,9岁时画的素描头像已显示出超群的才能。40岁的安格尔移居佛罗伦萨，四年後由于为故乡画了一幅《路易十三的誓言》而回到巴黎，意外地受到欢迎并被选入皇家美术院院士。（二）61岁的安格尔在罗马的艺术活动取得成功，这次载誉回到巴黎，法国*为了弥补过去对他的冷落，这次组织了有426人参加的盛大宴会，还受到法王的欢迎款待。（三）68岁那年他获得第二共和国美术委员称号，且成为沙龙评审委员之一，掌握了美术评选大权，在美术界享有至高无上的权威地位。（四）70岁时荣任皇家美术院长，还获得元老院参议员的称号，故乡赠给他黄金花冠，安格尔的晚年是在光荣和辉煌中度过的。（五）安格尔的作品：《路易十三的誓愿》、《贝尔登肖像》、《洛哲营救安吉莉卡》、《朱庇特与海神》、《土耳其宫女与女奴》、《保罗与弗兰西斯卡》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《梳妆》、《阿基留斯会见阿伽门农的使者们》、《土耳其浴室》、《拉斐尔和弗娜裏娜》、《泉》。

安格尔法国著名画家。自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，安格尔尤其推崇拉斐尔，当他*次见到老师给他们看拉斐尔《椅中圣母》临摹作品时，激动得流下热泪，这个印象决定了他的日後艺术追求和命运。经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之後，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。

（一）安格尔《土耳其浴室》又译《土耳其浴女》

安格尔一生追求古代希腊式的典雅完美艺术创造，他在《泉》的人体中寄予理想美的愿望，那是他向往清高绝俗和庄严肃穆的美的幻影，可是画家在这一幅《土耳其浴室》裏，追求的却是“自然本身的幻影”。这是画家八十三岁所作的裸体绘画，是他一生追求女性裸体美的总结性作品。在描写女性人体技巧方面达到了顶峰，这幅画可谓是画家安格尔晚年集多年画女裸体之*的一幅力作。

画面：一群在土耳其宫廷浴室裏的少女，正悠闲自在地享受沐浴给她们带来的欢乐，众多裸女拥挤在一起，她们姿态各异、轻松活泼，安格尔用熟练的笔触，优美的线条，柔和、富有变化的色彩，画出21个女人体，2个黑人侍女，她们在浴室中的不同动势和情态，组成一幅统一和谐的生活画面，这充分显示了画家的匠心独运。画家有意在浴女中安插了2个黑人侍女，更加强了画面色彩的对比效果。

这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，众多的“洗练”和“洁净”结合在一起就使得形式更为丰富。《土耳其浴室》不仅给人们展示了女人的曲线和青春的活力，它还使人们感受到一种诗意、种旋律，让人享受到安格尔绘画艺术的甜美。

（二）安格尔《洛哲营救安吉莉卡》

作品取材于16世纪意大利诗人阿裏奥斯特的诗集《狂乱之夜》所描绘的情节：支那女王安吉莉卡被囚禁在泪之岛上，她被当作海怪奥鲁克的祭品，她在等待自己的末日到来，正在这危难之时，英雄洛哲驾驭著自己半鹰半马的座骑，赶来杀死了海裏的海怪奥鲁克，营救了女王安吉莉卡。

左边是骑在半鹰半马上的英雄洛哲，右边是被海怪奥鲁克锁在岩石上身躯扭曲的女王安吉莉卡，女王安吉莉卡目光哀婉，期待著从天而降的英雄前来营救，女王安吉莉卡静止不动的形象，与英雄洛哲的长矛所呈对角线的力度形成对比，这就使英雄洛哲彷佛使出全身力气把长矛利入海怪奥鲁克的咽喉。

此构图的美感还在于光线特性的运用，它使女王安吉莉卡的裸体在月光中充分显示出它的柔美；我们还应该注意全图阴影部分的黄褐色和土黄色的色调，而正是在这种色调的衬托下，铠甲的金色、盾牌的红色，英雄洛哲身披斗蓬均白色，特别是女王安吉莉卡躯体的肉色，就显得格外醒目。使得这个中世纪掌故的气氛更具有浪漫主义的色彩。画中人物的面部表情平静而庄重，这正符合古典主义所追求的意境，重理性轻情感，重类型轻个性，造型符合雕刻效果。

（三）安格尔《土耳其宫女与女奴》

这是一幅颇具东方阿拉伯情调的作品，描绘的是土耳其王族妇女的闺房生活。一个百无聊赖的年轻宫女横卧席上，2个女奴在身旁侍候，充满东方情调的室内陈设是画家最热中于描绘的事物。左边那个给她弹曲助兴的女奴却是那样神情淡漠，她畅开著前胸，目光却沈入遐想中。明润光洁的女人肌肤与室内昏暗的暖色调构成强烈的对比。裸体宫女与那个坐席弹琴的女奴，也都融化在全局的东方装饰整体之中，只不过她们是整个装饰“音响”的主旋律。

这幅画描绘一个体态多姿、全身放松、正在倾听女奴弹琴的宫女，她的裸体造型丰腴而开放，没有条条框框的限制，这个裸体宫女的身段略为有些变形，夸大了她的腹部的柔软性与拧转性。体现出一种新的美学标准和趣味。

（四）安格尔《朱庇特和忒提斯》又译《朱庇特与海神》

这是一幅充满浪漫主义情调的艺术作品。画中描绘的是： 忒提斯是海神的女儿，与天神相爱。

朱庇特身旁的海神忒提斯的形象，被明显地做了夸张，一双手既长又柔软，整个躯体为达到对朱庇特的温存效果而显得扭曲。画家极力夸张海神忒提斯的柔美身躯，两个手臂被有意拉长，突出她温存的祈求。变化繁复的织物皱褶更加衬托出女性肌肤的滑顺，色彩处理体现安格尔一贯的僵冷与雅致，外表极为光洁。

安格尔在海神忒提斯身体的“平面和圆面”的交替中表现出他的激动。海神忒提斯的两只手和整个身体都表现著温存。在这种姿态中，她的身体已经成了：听命于美学而非服从于感官的形象象征。安格尔的美学观听命于浪漫主义的自由想象力。在艺术风格上，兼容并蓄，方法仍以古典主义原则为主。

（五）安格尔《贝尔登肖像》

安格尔《贝尔登肖像》作于1832年，作画之先，他为这位著名的《论坛报》的编辑和创办人路易•弗朗索瓦•贝尔登先生已画了各种姿势的速写。到正式给贝尔登画油画肖像时，此时贝尔登先生已经66岁了。安格尔创造了一个足以表现整整一个时代的坚强人物的形象。

关于素描的知识？

素描--这是高度的艺术诚实.
-----安格尔
素描，它是构成油画、雕刻、建筑以及其它种类绘画的源泉和本质，并且也是一切科学的根子。那种已经掌握了这种东西（素描）的人，可以相信自己占有一笔巨大的财富。
　 －－－米开朗基罗
－－这话可能对那些已经取得某些成就的人来说，还是重要的，素描是绘画、雕刻、建筑的*点，素描是所有绘画种类的源泉和灵魂，是一切科学的根本。
－－－米开朗基罗
拉斐尔的素描所以有价值，乃是他用眼睛看，用自己的手表达灵魂的明朗幽静，乃是从衷心流露出来的对整个自然的爱。有些人丝毫没有这种温柔的感情，却想从这位乌俾诺的大师那里模仿他的有节奏的线条和人物的姿态，那么所能做到的，无非是非常乏味的剽窃。
---罗丹
在米开开朗基罗的素描中，可赞赏的不是线的本身，不是大胆的透视缩减和精研的解剖，而是这位巨人像雷鸣似的那种绝望的威力。
---罗丹
伦勃朗的素描不同于拉斐尔的，但并不因此逊色。拉斐尔的线条柔和而纯净，伦勃朗的线条就往往粗扩而触目，二者成为对比，这位伟大的荷兰画家爱观察衣服的粗糙，脸上皱纹，穷人的手足的胼胝。因为，在伦勃朗看来，所谓美，无非是人的躯壳的庸和他内在光辉之间的对照。
　 ---罗丹
绘画的表现力要求有丰富的素描知识，因为缺乏素描知识，不可能获得十分优秀的成绩。实际上，表现力不可能在*的准确性之外表现出来，只有在素描上具有特殊的才华，才能够达到这种极大的准确性。在大师中间，富有表现力的油画家，都是*卓越才能的素描画家。拉斐尔就是一例。
------安格尔
素描一方面来自理智,一方面又从无数的自然界物体的形式结构中获得普遍的见解,因为自然界物体的形和结构,是完全按其自身的规律构成的,都是独具特点的,都是无比卓越的．
　 －－－－瓦萨里
素描是指南针,它指引着我们,使我们不至于沉没在色彩的海洋中,因为有许多人都沉没在这色彩的海洋中,希望找到一条生路．
　 －－－勒勃仑
我不需要悼词或什么东西，只希望在我的墓上写一句话：他从内心里热爱素描～
　 －－－－德加
素描是至高无尚的，许多艺术家因它面光辉灿烂；素描是固如磐石,许多艺术家的城堡以它为奠基．素描是一切造型艺术的基础．
－－－－契斯恰夫
素描是一切的基础，是根基，谁要是不懂得或者不承认这一点,谁就没有立足之地．
素描是艺术中最刚强，坚实，稳固和崇高的东西．
－－－－－契斯恰夫
严谨，充分，完整的素描，要求把物体画出之后，首先使我们看起来，物体是存在于空间之中：其次，物体如在实际中所见的一样，在前一种情况下，有一双聪慧的眼睛就足够了，面在后一种情况下，则需要有对物体及其各种不同结构规律的知识．
画出100幅类似头像－－这是搜集；只有理解了需要如何去画这些头像－－这才是学习．
画素描－－也就是进行思考和理解．任何时候也不要默不作声地画，要经常给自己提出课题．素描是艺术的*一方面，但决不能仅仅严格地追求素描一直追到底，面要善于及时地停下来，否则，很容易越过界限，面走上摄影师的道路，或者是把素描开得枯燥乏味，如果你不善于抓住整体的话.话末说尽,比廉洁赤了头好．
－－－－契斯恰夫
必须把指南针放在眼上，面不是放在手上．
不好的外形，本身可能充满五颜六色，但是画家应当通过线条艺术地表现出它的美来．
　 －－－－菲多托夫
素描画的不是形体，而是对形体的观察．
　－－－－德加
我是一方面细心地追求模仿自然，另一方面我决不失掉心里的感受．现实的东西只不过是艺术的一部分，而只有感性才能使它完整．只有你真受感动，你才能把直接的感受传给别人．
　－－－－柯罗
在每一个物体中必须抓住的，以更在素描中表现出来的最重要的东西，这就是主要线条的对比，在铅笔接触画纸前，需要把这个对比深刻印在想象中～～绘画中的轮廓，如同雕塑中的一样，是一种理想和虚构的现象．它应当以自然面然的方法产生，在正确地布置重要部分的结果中出现．
　－－－－德拉克洛瓦
画家的技巧是从观察获得的，而不是苦苦地去依样画葫芦．有两种观察事物的方法：一种是简单地注视着它；而另一种却是专注地观察它．
　－－－－普桑
画素描，并不就是简单地描画出外形；素描了不单单是由轮廓构成的．素描，除此以外，还包括有情，景和造型．素描是组成绘画因素的四份之三还另一半．
绝不允许孤立地逐个地描画，如先画完头部，再画人体，躯干，手等等，因为这样一来，你不可避免地要使整体的和谐简单化．相反要规定出存在于各个局部之间的那种比例关系：找出动势的真实性；指出它的特征．怕冷不怕热，要描画得热烈些！
　 －－－－安格尔
要经常及时画速写，不论用画笔或者还用别的什么东西，哪怕是用钢笔也好，画不完也可以．我现在力求把被画对象的最本质的东西尽可能显示得使其更富有表现力，而把普通一般的地方留在阴暗中～～～
－－－－凡高
形体或素描，其表现形式是无限丰富的，可能表现的非常充分，而且带有气度高尚的审慎感，或者是仅仅利用线条，或者是借助于能塑造物体并能表现光线的色调．
－－－－高更
对大自然借素描进行研究最要紧．如果素描与理性相联系，而色彩与感性相联系，那就应当画素描，以求发展理性并且能够循着理性的途径引导色彩．　
－－－－马蒂斯